DANÇA CONTEMPORÂNEA - A-H

 Rain (2001) - Anne Teresa de Keersmaeker

Rain, ambientada na música de Steve Reich para 18 músicos (1976), é uma das performances mais características de Anne Teresa De Keersmaeker. Com essa coreografia vibrante, De Keersmaeker retornou, em 2001, a dois de seus grandes amores: dança pura e música minimalista de Steve Reich. Acompanhado pelos tons pulsantes de sua música, por uma hora e dez minutos, dez dançarinos ocupam o palco, delineados por uma cortina de cordas finas, exibindo uma impressionante sucessão de frases virtuosas de dança. As figuras matemáticas, a repetição sustentada, a ocupação geométrica do espaço, a arte da variação contínua - tudo o que gradualmente se tornara a assinatura do coreógrafo foi levado ao extremo em Rain.

Partita 2 - Anne Teresa de Keersmaeker

A Partita 2 deriva de um deleite peculiar: o que acontece quando dois coreógrafos, famosos por dirigir muitos corpos, se alegram em amar sua própria dança, o que pode ser um desejo maior para eles do que a coreografia em que se destacam? Uma colaboração de iguais, para começar, mesmo que Anne Teresa De Keersmaeker crie uma estrutura coreográfica para esse dueto de dança, ou seja, uma estrutura geométrica e arquitetónica para os dois corpos no espaço. 

O dueto complementar se abre com um terceiro parceiro, o violinista Amandine Beyer (ou, alternativamente, George Alexander van Dam), cuja presença física, como o violinista na rua, sustenta uma humilde sensação de virtuosismo. Configurando várias situações de escuta com e sem assistir, em silêncio ou na música, aprimora a experiência da força nua do cenógrafo do artista visual Michel François.

Ottone, Ottone - Anne Teresa de Keersmaeker

Este ensaio comenta o vídeo Ottone Ottone, produzido pela coreógrafa belga Teresa De Keersmaeker e pelo video-artista belga Walter Verdin, com base na produção de dança com o mesmo nome (1991).

O argumento é que o filme consegue capturar o significado da ópera de Monteverdi melhor do que qualquer performance cênica da ópera, devido à estratificação da narrativa, do libreto, da performance musical, da dança e da montagem de vídeo. A dança - 'l'etat de danse' (Paul Valéry) - é a pista, a dança visualiza a explicação,

para entender o que acontece com o imperador Nero e está dirigindo a ação: amor vincit omnia.

Achterland - Anne Teresa de Keersmaeker

Achterland é uma coreografia seminal na obra de Anne Teresa De Keersmaeker. Nesta performance de 1990, pela primeira vez, a coreógrafa deu aos músicos uma posição central no palco e os deixou desempenhar um papel ativo na dinâmica geral - uma abordagem que ela repetiria em muitos projetos subseqüentes.

A combinação incomum da música de György Ligeti e Eugène Ysaÿe inspirou De Keersmaeker e seus dançarinos a criar uma trilha de dança original com um delicado equilíbrio entre virtuosismo energético e desaceleração. Essa também foi a primeira vez que o coreógrafo escreveu material de dança especificamente para homens

ela acrescentou três dançarinos ao que até aquele momento era uma companhia predominantemente feminina. Em Achterland, a feminilidade e o minimalismo predominantes de vários trabalhos anteriores de Rosas deram lugar a uma terra ambígua de ninguém caracterizada por uma confusão de fronteiras e símbolos.

Play - Alexander Ekman

Bailado em 2 atos do sueco Alexander Ekman, com música do compositor Mikael Karlsson, onde se contempla o lugar e o significado da diversão nas nossas vidas.

A linguagem, ao mesmo tempo visceral e tingida de humor, combina a influência contemporânea, clássica e teatral. Conhecido pela espetacularidade das suas peças, plenas de imagens oníricas, Alexander Ekman enche o palco do Palais Garnier com estruturas metálicas, bailarinos suspensos no espaço e estruturas elevatórias que desafiam a imaginação do espetador.

Personalidade brilhante da dança contemporânea, conhecido pelo ritmo rápido, transições inteligentes e humor espirituoso, Ekman foi convidado pela primeira vez para trabalhar com os bailarinos da companhia da Ópera de Paris. Bailarino do Swedish Royal Ballet, dançou com a Nederlands Dans Theater e o Ballet Cullberg antes de se tornar coreógrafo.

Play é uma produção surpreendente, com ritmos sedutores e uma energia extasiante, uma peça que evoca o mundo da infância e dos seus prazeres despreocupados. Mas para além do entretenimento, Play contempla o significado e a importância de brincar quando nos tornamos adultos.

Midsummer Night's Dream - Alexander Ekman

Após o sucesso sensacional de A Swan Lake, realizado pelo Norwegian National Ballet em 2014 na Ópera de Oslo, o prodígio coreográfico Alexander Ekman criou seu sonho de noite de verão em abril de 2015 para o Royal Swedish Ballet na Ópera de Estocolmo.

Uma peça contemporânea poderosa que explora a energia e os mistérios evocados pelo solstício de verão na tradição escandinava!

É o auge do verão, o dia mais longo do ano, e todos se reúnem para celebrar a mais amada de todas as tradições - o verão. As expectativas são altas, sete tipos de flores devem ser colhidos,

aguardente deve estar bêbado, e todo mundo dança vertiginosamente em torno do poste - talvez até haja um novo amor no ar? É uma noite cheia de amor e erotismo, enquanto a natureza jorra com vitalidade. A fronteira entre o mundo dos mortais e o reino do sobrenatural se torna cada vez mais fina à medida que a garrafa se torna cada vez mais vazia.

As tradições fazem piadas sobre nós, o mundo muda e de repente não temos mais certeza - tudo isso é um sonho?

... o sonho de uma noite de verão.

40M Under - Alexander Ekman

40 M Under é um filme de dança do coreógrafo Alexander Ekman, com Cullberg Ballet. Situado em um antigo salão de reatores nucleares do Royal Institute of Technology em Estocolmo, Ekman brinca com perspectiva, ritmo e imagens.

Whim Fractured Fairytale -Alexander Ekman

A Swan Lake - Alexander Ekman

Alexander Ekman é um coreógrafo aclamado internacionalmente, reconhecido por sua capacidade de emparelhar inteligência e diversão. Seu novo balé A Swan Lake, indicado ao Benois de la Danse 2015, relembra o trabalho clássico de Tchaikovsky.

Xenos - Akram Khan 

De quem é a guerra?

De quem é o fogo?

De quem é essa mão? '

Giselle - Akram Khan 

Puxando a inocente Giselle de sua vila, a versão de Khan vê a ação movida para uma fábrica de roupas condenada, onde uma comunidade de trabalhadores migrantes serve à mercê dos proprietários da fábrica. As figuras fantasmagóricas de suas vítimas formam uma cabala vingativa e inspiradora no conjunto imponente de Tim Yip, vencedor do Oscar.

Dust - Akram Khan

Akram Khan e Tamara Rojo se uniram para apresentar o Dust como parte da produção Lest We Forget do English National Ballet, que comemora o centenário da Primeira Guerra Mundial. O trabalho de Akram Khan, Dust, trata do empoderamento das mulheres na guerra, especialmente quando elas se tornaram a principal força de trabalho do país.

Akram disse: "A peça é inspirada em duas coisas. Primeiro, o conceito de trincheira, de homens jovens e velhos, todos entrando em trincheiras e desaparecendo. A outra parte substancial foi inspirada pelas mulheres. Na Primeira Guerra Mundial, houve uma enorme mudança social em relação às mulheres. Eles precisavam de armas feitas para a guerra, eles precisavam de uma força de trabalho enorme.

Eu senti que essa mudança de papel foi interessante. Eles sabiam que abandonariam pais, maridos e filhos; eles podem perdê-los. No entanto, eles estavam fabricando armas que matariam os pais, maridos e filhos de outras pessoas. Não importava de que lado você estava - ambos sentiram perda e morte.

Mas, para alguém viver, alguém estava colocando sua vida em risco. Essa coisa cíclica era o que eu queria explorar. "

Sacred Monsters - Akram Khan

Sacred Monsters é a colaboração altamente aclamada entre os artistas associados de Sadler Wells, Sylvie Guillem e Akram Khan. Juntos, os dois exploram a dinâmica e a linguagem de duas grandes formas de dança clássica, kathak e ballet, para produzir uma "exibição cinco estrelas de velocidade, precisão e poder" (The Guardian).

Usado na França no século 19 como apelido das maiores estrelas do teatro, Sacred Monsters é um termo que marca o nascimento do estrelato contemporâneo, no qual os ícones dos mundos das artes e do esporte recebem status divino pelo público e pela mídia. A pressão de atender a essas expectativas não deixa espaço para o fracasso, expressão ou emoção. O status divino se torna desumano, monstruoso.

Zero Degrees - Akram Khan

Uma emocionante colaboração entre Akram Khan e Sidi Larbi, é uma oportunidade de ver esses artistas notáveis ​​trabalhando com o escultor Antony Gormley e o compositor Nitin Sawhney.

Khan e Larbi se conheceram em 2000, quando rapidamente descobriram fortes semelhanças em seus trabalhos. Ambos são filhos de famílias islâmicas criadas na Europa e ambos recorrem a esse encontro de culturas, combinando a complexa dança indiana Kathak com a velocidade e precisão dos movimentos contemporâneos. zero graus nasceu de seu desejo de criar trabalho juntos e os segue em uma jornada para buscar o ponto de referência, a fonte, o '0' no centro da vida. Inspirados por suas próprias identidades duplas, os dois procuram esse ponto do meio através de pólos opostos; devir / morte, claro / escuro, caos / ordem. Criando o ambiente para esta jornada está o artista Antony Gormley, mais famoso por sua escultura "Anjo do Norte". Trabalhando em estreita colaboração com os dois dançarinos, seu design refletirá o conceito de dualidade explorado em zero graus. A música especialmente encomendada é do compositor / produtor Nitin Sawnhey. Essa é uma rara chance de ver quatro dos maiores artistas de hoje unirem forças.

La Fresque - Angelin Preljocaj

Depois da fada tradicional chinesa, A pintura na parede

Grupo Corpo - Gira (2017)

Os ritos da umbanda - a mais cultuada das religiões nascidas no Brasil, resultado da fusão do candomblé com o catolicismo e o kardecismo - são a grande fonte de inspiração da estética cênica de Gira.

Exu, o mais humano dos orixás - sem o qual, nas religiões de matriz africana, o culto simplesmente não funciona - é o motivo poético que guia os onze temas musicais criados pelo Metá Metá para Gira.

Mergulhar no universo das religiões afro-brasileiras para se alinhar ao tema proposto pelo Metá Metá foram as primeiras providências dos criadores do Grupo Corpo. Mas engana-se quem pensa que vai assistir a uma representação mimética dos cultos afro-brasileiros. Alimentado pela experiência em ritos de celebração tanto do candomblé quanto da umbanda (em especial as giras de Exu), Rodrigo Pederneiras (re)constrói o poderoso glossário de gestos e movimentos a que teve acesso.

Concebido como uma instalação, o não-cenário assinado por Paulo Pederneiras cobre com o mesmo tule negro os corpos dos bailarinos sempre que estão fora da cena, transformando-os em éter, e as três paredes da caixa-preta, criando uma ilusão quase espectral de infinito.

Nos figurinos, Freusa Zechmeister adota a mesma linguagem para todo o elenco, independente do gênero: torso nu, com a outra metade do corpo coberta por saias brancas de corte primitivo e tecido cru.

Grupo Corpo - Bach (Live Performance 2017)

Um jogo entre o que se ouve e o que se vê, onde o barroco de Bach e o barroco de Minas Gerais, no Brasil, se realizam como dança. A coreografia aspira ao que está acima, e a música, ao que está dentro das partituras de Bach e que Marco Antônio Guimarães, o compositor, nos ajuda a descobrir.

Entre azuis, dourados e escuros, uma dança que celebra a arquitetura da vida: fluxo contínuo de onde emergem construções cinéticas surpreendentes.

Grupo Corpo - Benguelê

Benguelê é uma exaltação ao passado africano e às suas marcantes e profundas raízes na cultura brasileira. Riscando do palco, sem nenhum pudor, qualquer vestígio da técnica clássica - que, no entanto, presente na formação dos bailarinos, dá suporte à complexa coreografia -, o coreógrafo evoca, do início ao fim, ritmos afro-brasileiros como o maracatu, o candomblé e o congado. Anarquia e frenesi substituem a simetria e a ordem dos bailarinos em cena. Pas-de-deux e fouettés dão lugar a batidas de pé, remelexos de quadril, ombros e pélvis. A diversidade rítmica ganha vida ao som da música inspirada do compositor, cantor e violonista João Bosco. São onze temas - especialmente criados como a música-tema Benguelê, ou recriados como o chorinho 1x0 de Pixinguinha, ou Tarantá e Carreiro Bebe, do folclore. Ora festivos, ora ritualísticos, os movimentos sugerem danças tribais, onde a representação de figuras humanas, vergadas pelo tempo, ou animalizadas, pontuam o espetáculo.

Grupo Corpo - Dança Sinfônica

Criada para a celebração dos 40 anos de atividade do Grupo Corpo, em 2015, Dança Sinfônica se estrutura a partir do mote memorialista proposto pelo diretor artístico Paulo Pederneiras. Autor de trilhas antológicas, como 21 (1992) e Bach (1996), na primeira obra sinfônica especialmente criada para a companhia mineira de dança, Marco Antônio Guimarães funde em sofisticada trama peças inéditas e passagens musicais evocativas de balés que marcaram a história recente do Corpo. O conjunto de temas, escrito com maestria para a formação da Orquestra Filarmônica de Minas Gerais, de 90 figuras, e interligado por engenhosas pontes musicais executadas pelo grupo Uakti, permite a Rodrigo Pederneiras passar em revista as melhores notações de todo um vocabulário que havia deixado para trás e, também, a processar, com a bagagem acumulada em décadas de exercício de desprendimento da forma, uma espécie de síntese de uma escritura coreográfica construída ao longo de 34 anos de residência na companhia.

Garimpados nos acervos particulares de profissionais que colaboraram ou exerceram algum tipo de influência na trajetória do Grupo Corpo ao longo desses 40 anos Grupo C- de bailarinos e maîtres de ballet a técnicos e camareiros -, mais de mil flagrantes fotográficos informais compõem o painel cenográfico, de 8m x 16m, que ambienta o espetáculo.

Em contraponto com o caráter cotidiano das situações ali representadas, cortinas e collants de veludo vermelho-vinho revestem as pernas do teatro e vestem as bailarinas, conferindo um discreto ar de solenidade à apresentação. 

Grupo Corpo - Ímã

O princípio de interdependência e complementaridade que rege as relações humanas serviu de ponto de partida para a criação de Ímã pelo coreógrafo Rodrigo Pederneiras. Suave e vital, trivial e estranho, o balé do Grupo Corpo é marcado pela alternância constante entre o cheio e o vazio na ocupação do espaço cênico. Solos, duos e formações maiores ou menores de grupo se constituem e se dissipam a todo momento, num jogo incessante de união e dispersão.

A trilha composta pelo + 2, trio formado por Domenico, Kassin e Moreno, sobrepõe timbres e texturas de instrumentos de origens e naturezas diversas - como a guitarra e a ocarina, ou o sinth e a cuíca - para trafegar por temas abstratos, essencialmente melódicos ou tipicamente eletrônicos, e revelar influências que vão do bossanovista João Donato, ao ícone da música afro dos anos 70 Fela Kuti, passando pelo multi-instrumentista contemporâneo japonês Cornelius.

Com refletores de leds de sete cores recém-lançados por uma empresa norte-americana, Paulo Pederneiras funda uma nova espacialidade cênica. Onde volumetria e textura adquirem uma "materialidade etérea". Porque feita de pura luz.

Aos tons inteiriços e quase bucólicos do início segue-se uma explosão de cores. Violentas, radicais, exuberantes, elas produzem, entre si ou no diálogo intenso com os figurinos de Freuza Zechmeister, combinações inusitadas e quase sempre dissonantes.

Essa poética das polaridades, moldada com a magia que se oculta na convergência entre os divergentes, na justaposição de díspares, na excitação que rodeia o atrito, confere ao balé um misto indizível de estranhamento e beleza.

Grupo Corpo - Missa do Orfanato 

Criada a partir da missa solene composta e regida por ocasião da consagração da Igreja do Orfanato, na Viena de 1768, por um Mozart que não contava ainda os treze anos completos, a Missa do Orfanato, de 1989, inscreve-se entre as obras máximas do Grupo Corpo. Estabelecendo já os primeiros códigos de uma escritura coreográfica que iria atingir sua maturidade três anos depois com 21, um divisor de águas na trajetória da companhia, Rodrigo Pederneiras transforma seu corpo de baile em uma massa de desvalidos que, na contramão do que prega o ordinário da missa católica, retrata antes a tragédia e a miséria da condição humana que o anseio de glorificação do Divino. Em estado de contrição permanente, os corpos dos bailarinos ritualizam o desamparo, o temor, o afligimento e a solidão inerentes à natureza inapelavelmente terrena e transitória da espécie humana. Na busca incessante de verticalidade, seus gestos convulsos soam como brados de misericórdia.

Em tons terrosos e cinzas, o cenário de Fernando Velloso remete à face externa de uma catedral degradada pelo tempo, mas cuja imponência persiste em reduzir-se à sua mundana e diminuta dimensão, à procissão de desesperados que perambula pelo palco seu clamor por redenção. Freusa Zechmeister lança mão de roupas cotidianas em seda e linho crus, envelhecidas e tingidas em paletas de cinza e terra, para vestir os bailarinos como um aglomerado imemorial de peregrinos. Com múltiplas gradações de amarelo e branco e fumaça cenográfica, Paulo Pederneiras envolve a cena em uma veladura que recria a luminosidade e a atmosfera típicas dos ofícios religiosos.

Grupo Corpo - Nazareth

Homenagem, em música e movimento, ao mais erudito dos compositores populares brasileiros, Ernesto Nazareth (1863-1934), o balé Nazareth, de 1993, transporta para o palco, com insuspeitado requinte, a sensualidade e a brejeirice da dança brasileira de salão. Com base na obra do genial criador do "tango brasileiro", o compositor e escritor paulista José Miguel Wisnik recorre ao conceito de espelhamento melódico para operar movimentos retrógrados que, induzidos por computador, desvendam surpreendentes e cristalinas construções musicais, numa recriação absolutamente autoral, original e contemporânea da obra de Nazareth. São comentários, citações, variações, que, bebendo sempre da mesma fonte, terminam por desaguar em outros braços de mar. O erudito e o popular se encontram e se confundem também na transcriação cinética e visual do gênio de Ernesto Nazareth (1863-1934) pela equipe de criadores do Grupo Corpo. Em consonância com a música original, Rodrigo Pederneiras engendra uma coreografia espelhada, repleta de imagens dúbias e cenas que vão e voltam, conferindo a Nazareth um tratamento espacial que se apropria da "caixa-preta" do teatro para deslizar com irresistível leveza e fluidez pelo chão de polcas, chorinhos e maxixes estendido por Wisnik e seu inspirador. Em tons de cinza, preto e branco, os figurinos de Freusa Zeichmeister têm linhas arrojadas que beiram o futurismo, e adereços que remetem à elegância do começo do século passado. O cenário de Fernando Velloso dispõe quatorze rosas tridimensionais de 1,70m de diâmetro, moldadas em tela de metal que, penduradas por fios de aço, flutuam no fundo da cena. Em tons de âmbar e pêssego, a luz de Paulo Pederneiras termina de compor a ambiência deste Nazareth pós-moderno. Que já nasceu clássico.

Grupo Corpo- O Corpo

Tematizando o imaginário urbano, a coreografia de Rodrigo Pederneiras dialoga inovadoramente com a trilha eletrônica de Arnaldo Antunes.

No ritmo acelerado dos movimentos, na violência dos gestos, nas quebras das linhas e no arqueamento dos corpos que buscam se mover rente ao chão, Rodrigo Pederneiras desenvolve novas características para essa dança, que vai da malemolência ao robótico.

"O corpo é suficientemente opaco / para que se possa vê-lo." Esse corpo dança banhado na luz-cenário de Paulo Pederneiras, um quadrado de spots vibrando com a música como um gigantesco analisador de espectro.

O Corpo transforma o cenário em luz e os figurinos em cenários móveis: são esculturas pretas que dançam numa caixa vermelha. Os corpos ganham novos volumes pelo desenho das roupas de Freusa Zechmeister e Fernando Velloso. Formam uma gangue, ou tribo; mas suas individualidades são acentuadas pelo movimento e pelo inusitado dos figurinos.

As frases de Arnaldo Antunes ganham corpo na dança; e a dança dá novo viés à trajetória do Grupo. Na soma de gestos, som e luz, O Corpo concentra, com novos acentos, a essência brasileira do Grupo Corpo.

Grupo Corpo - Sem Mim

Grupo Corpo - Suíte Branca 

Quando os primeiros acordes de guitarra e a silhueta sinuosa de uma bailarina riscam o ar, um quê de mistério insinua-se na cena. Logo, a aridez de uma paisagem estranhamente branca sublinha o clima enigmático.

Vestidos de branco do princípio ao fim do balé, movimentando-se sobre o linóleo também branco e tendo ao fundo um painel que pouco a pouco revela saliências e reentrâncias de uma estrutura que sugere uma gigantesca geleira, os bailarinos do Grupo Corpo percorrem o instigante emaranhado de temas composto por Samuel Rosa para a trilha de Suíte Branca.

Idealizado como as antigas tabulas rasas romanas ou uma página em branco, sobre a qual uma nova história começa a ser inscrita, Suíte Branca marca a primeira colaboração da jovem coreógrafa paulista Cassi Abranches com a companhia mineira de dança. Entre ondulações de braço e quadril, movimentos pendulares, suspensões e muitas intercorrências de chão, a partitura de movimentos erguida por ela propõe um diálogo com a lei da gravidade, onde é possível entrever os traços distintivos do Corpo que há tanto tempo habitam o nosso imaginário e, ao mesmo tempo, divisar a força de uma inequívoca alteridade. 

 Revelations - Alvin Ailey

Usando espirituais afro-americanos, sermões de canções, canções gospel e blues sagrados, as Revelações de Alvin Ailey exploram fervorosamente os lugares de mais profundo pesar e mais santa alegria da alma.

Mais do que apenas um trabalho de dança popular, tornou-se um tesouro cultural, amado por gerações de fãs.

Ver Revelações pela primeira vez ou pela centésima pode ser uma experiência transcendente, com o público aplaudindo, cantando e dançando em seus assentos, desde as notas de abertura do queixoso "Eu fui Buked" até o empolgante "Wade in the Water" e o final triunfante, "Rocka minha alma no seio de Abraão".

Ailey disse que um dos tesouros mais ricos da América era a herança cultural afro-americana - "às vezes triste, às vezes alegre, mas sempre esperançosa". Este clássico duradouro é uma homenagem a essa tradição, nascida das "memórias de sangue" do coreógrafo de sua infância na zona rural do Texas e na Igreja Batista. Mas desde sua estreia em 1960,

o ballet tem sido realizado continuamente em todo o mundo, transcendendo barreiras de fé e nacionalidade e apelando para emoções universais, tornando-o o trabalho de dança moderna mais amplamente visto no mundo.

Quintette - Jann Gallois

Após o Compact, Jann Gallois questiona nossa capacidade de viver juntos em paz na Quintette. Seja dentro de um grupo ou na escala de nações, união e separação parecem obedecer a um ciclo interminável. Governado por uma pontuação de extrema precisão,

Jann cruza pesquisas coreográficas e matemáticas com o objetivo de explorar o mecanismo de união e desunião com cinco corpos. Ela faz isso porque a dança de Jann Gallois é, acima de tudo, música vista, uma música de corpos visuais e gráficos.

O corpo elétrico - Filipe Ferra

Dentro de um autocarro, de noite, numa avenida em Lisboa. Lá à frente vê-se a Elsa, esticada com o tronco sobre o corredor do autocarro, a olhar para trás. Não se percebe se está triste, ou simplesmente pensativa. Nas suas costas, a janela do autocarro parece um enorme ecrã de cinema, e os lampiões sucedem-se. As luzes lá de fora são quentes, laranjas, as de cá de dentro azuis; mais parece que há dois mundos, um à frente do outro. Ouve-se em off a voz de Clara Andermatt, uma das mais conceituadas coreógrafas portuguesas: "Acho que é 50/50, completamente. Não consigo ver essa diferença, entre o corpo, a alma, e a mente."

The Statement- Crystal Pite

"A declaração é uma cunha de realismo; frio e corrente. Reconhecemos os personagens e a linguagem como sendo do nosso mundo e do nosso tempo. A Declaração é uma peça de um ato, com quatro personagens travados em sua própria batalha pelo controle e com a moralidade de suas ações: eles foram incumbidos de alimentar um conflito em um país distante.

O personagem "A" declara: "Há gerações que lutam. Tudo o que fizemos foi usá-lo. Usamos isso como uma oportunidade - os ataques - para investimento. Para crescimento. Nós usamos. Agora, sendo solicitado a assumir a responsabilidade por suas ações para exonerar seus superiores, um conflito está surgindo dentro de seu departamento. "

.The Art of not Looking Back  - Hofesh Shechter

A arte de não olhar para trás possui a extrema fisicalidade que caracteriza as criações da coreógrafa Hofesh Shechter e foi criada especificamente para as dançarinas da empresa, em oposição ao Uprising, um trabalho exclusivo para homens realizado no Mercat em 2009.Enquanto Uprising era uma análise emocional e dinâmica do que significa ser homem, sua contraparte é uma peça com muitas outras voltas.No caso da Revolta, sete homens emergem das sombras para bombardear o palco com energia ilimitada, misturando-se e boxe, construindo e desintegrando-se.Este trabalho altamente carregado é acompanhado por uma base de percussão pulsante composta por Shechter.Em contraste, o coreógrafo vê The Art ... como diferente de suas outras criações: "A peça acabou estabelecendo um tipo de relacionamento entre mim e as mulheres que se mudam para o palco e, de certa forma, as mulheres funcionam como um único indivíduo,como um gênero feminino, por assim dizer. O processo foi completamente diferente da minha experiência com os homens.

Short Cut - Hans van Manen

Criada em 1999, "Short Cut" é uma peça para quatro bailarinos. Hans van Manen inspira-se na partitura de Jacob ter Veldhuis e tira partido das tonalidades, do ritmo e da poesia desta obra. A coreografia acompanha o ritmo da música, base desta dança que, centrando-se na forma de pas de deux, revela a sua extraordinária elasticidade.

Betroffenheit - Crystal Pite

Um estado de choque e perplexidade o envolve após um desastre. É um espaço atemporal e liminar, onde você volta repetidamente, mesmo quando luta para ganhar e manter distância, e onde continua respondendo ao desastre muito tempo depois que ele desapareceu. Aqui, uma crise

A equipe de gerenciamento mantém sua situação de emergência viva e presente, uma voz de confiança está pedindo que você aceite o passado, e um suprimento constante de "The Show" está disponível para toda a distração, fuga e prazer que você deseja. Em certo sentido, você é o sobrevivente e este é o seu refúgio. Em outro, você é o desastre esperando para acontecer.

Essa nova criação de duas das empresas mais célebres do Canadá é um híbrido inovador e que ultrapassa os limites de teatro e dança.

Suíte Branca - Cassi Abranches

SUITE BRANCA marca a primeira colaboração da coreógrafa Cassi Abranches com o Grupo Corpo. Cassi foi bailarina do Corpo por 12 anos e utiliza esta bagagem como base para a criação de sua própria linguagem.

SUITE BRANCA is the first collaboration of choreographer Cassi Abranches with GRUPO CORPO. Cassi was a GRUPO CORPOs dancer for 12 years and uses this experience as a basis for creating her own language.

 Clowns - Hofesh Shechter

Clowns foi contratado pela BBC como parte do Performance Live strand - uma parceria entre a BBC Arts, o Arts Council England e o Battersea Arts Centre, mostrando alguns dos artistas mais emocionantes que trabalham atualmente na performance. O filme foi produzido pela Hofesh Shechter Company e Illuminations.Filmado no icônico Rivoli Ballroom, no sul de Londres, Clowns é um filme de 30 minutos, diferente de tudo o que o público já viu antes.Dirigido, coreografado e composto por Hofesh Shechter, Clowns apresenta 10 de seus dançarinos de classe mundial interpretando uma comédia macabra de assassinato e desejo,e pergunta: até onde iremos em nome do entretenimento?A peça combina a coreografia ousada, emocionante e tribal de Hofesh com uma partitura percussiva e cinematográfica e a câmera aproxima-se do conjunto excepcionalmente talentoso de dançarinos.

 Story / Time - Bill T.Jones

Em Story / Time, Jones funde a arte milenar de contar histórias com uma paisagem vibrante de movimento e música contemporâneos. Semelhante a uma paisagem urbana movimentada ou a uma sala lotada, a experiência desafia os membros da plateia a encontrar significado e conexão na varredura de elementos aleatórios e díspares.

Os contos de Jones são extraídos de sua própria vida e contos transmitidos através das gerações de sua família. Ao estratificar uma forma tradicional contra as preocupações composicionais de vanguarda dos modernistas de meados do século, a tensão entre arte alta e baixa é questionada.

Em seu primeiro projeto com a Companhia, compositor, músico,

e artista intermediário Ted Coffey, Ph.D. compõe e executa uma nova partitura acústica e eletrônica que utiliza procedimentos por acaso e tecnologias interativas. No Espaço Aberto, Newton Armstrong descreve a música de Coffey como "sutil, estranha e desprovida de heroísmo. É o tipo de música que ressoa por dias depois que você a ouve, e seus espaços e gestos continuam a se formar em geometrias novas e extraordinárias."

Triangle of the squinches - Alonzo King

Triangle of the Squinches, is set to a commissioned score by legendary musician Mickey Hart and features an innovative kinetic set by cutting-edge architect Christopher Haas. In this piece, Alonzo King explores the inner and outer space of the body: how do we strive to touch something infinite with our material forms? What is the resonance between the bodies we inhabit and the forms we create?

What the day owes to the night - Hervé Koubi

Treze homens de peito nu, dançarinos de rua da Argélia e Burkina Faso, parecem perfeitamente em casa no palco do The Joyce Theatre, em O que o dia deve à noite, pela empresa Hervé Koubi. A companhia francesa fez sua estreia em Nova York em uma casa lotada, tecendo capoeira, artes marciais e dança contemporânea para criar minuto meditação sobre conexão e isolamento. A peça nos transporta para fora da cidade para um lugar onde o ritmo ondulante da natureza domina. Em uma introdução agradável, Koubi nos diz que aprendeu aos 25 anos que seu pai não era da França, mas da Argélia.

O título da peça vem do romance de Yasmina Khadra sobre um jovem pego entre os mundos argelino e europeu, que ecoou nesta exploração da nova herança de Koubi.

Clinamen - Hugo Arcier

Clinamen é um filme em imagens geradas por computador, onde o movimento dançado é expresso em sua forma mais pura. Isso nos leva a uma nova visão do Palais Garnier e a uma Paris futurista. Uma coreografia pode existir sem os corpos dos dançarinos? Clinamen é um elogio ao movimento, onde o movimento é expresso em sua forma mais pura. O espectador naturalmente se apropria desse universo, inicialmente abstrato, e conecta elementos distintos para gerar um corpo imaginário. O filme também oferece uma releitura original do Palais Garnier, um edifício transformado em um espaço surpreendente formado por átomos, tão virtual quanto mental. A bordo deste navio, viajamos para o futuro.

O título do filme Clinamen é retirado do poema de Lucrecius De rerum natura e da física epicurista. É uma força que permite desviar a trajetória dos átomos e fazê-los colidir entre si. Os dançarinos também têm essa faculdade e, através dessa declinação de átomos, a capacidade de criar.O filme inteiro é a expressão visual desse fenómeno.

Avá o homem que caminha - Joelle Bouvier

Para esta criação, com sete bailarinos da Cia. Sociedade Masculina, Joëlle Bouvier se inspirou nas fotografias de Sebastião Salgado (tiradas no Garimpo de Serra Pelada), em diferentes textos de Fernando Pessoa e também nos relatos de vida e nas reminiscências que os próprios bailarinos narraram à coreógrafa. O espetáculo foi construído em torno desses diferentes relatos e tem suas raízes nas histórias pessoais de cada um dos bailarinos para falar dos homens de maneira universal.

Bach Studies - Benjamin Millepied

Para sua nova criação, que tem o título de trabalho de Estudos de Bach, Benjamin Millepied se inspirará no mundo musical de Johann Sebastian Bach. Inspirado nos ritmos complexos de Bach, muitas vezes com raízes nos ritmos de dança barroca, Millepied colocou-se o desafio de explorar as técnicas de composição de Bach e traduzi-las em uma realidade física. O movimento será inspirado na reação emocional de Millepied à música, com a coreografia enraizada em duas obras icônicas de Bach, Partita No. 2 e Passacaglia for Organ.

Metamorphosis - Arthur Pita

Gregor Samsa, um vendedor ambulante, acorda uma manhã e descobre que foi transformado em um inseto monstruoso. Sua mãe, pai e irmã mais nova respondem à sua transformação de maneiras muito diferentes.

Hello Marcelino

No passado dia 10 de Abril, Hello Marcelino, uma curta-metragem com uma performance de Marcelino Sambé, realizada por Jacob Sutton, foi publicada no site da revista Cloakroom.

O bailarino principal do Royal Ballet coreografou a sua chegada ao estúdio vazio, acordando-o com a força dos seus movimentos rápidos, que o atravessam, acendendo-o. Sambé, numa entrevista ao Gerador, contou que, se fosse um movimento, sêlo-ia "com muita gravidade, muito perto do chão. Como sou mais pequeno e bastante rápido, seria mais contemporâneo. Ou um salto, porque também gosto muito de saltar, e o salto é o que mais me caracteriza. Acho que seria um salto que aterra no chão, enrolando todo." Podemos, então, olhar este filme como uma biografia, uma escrita do corpo, sob a música "Dancing to God", de Sinjin Hawke e Zora Jones.

The Statement - Crystal Pite

A declaração é uma cunha de realismo; frio e corrente. Reconhecemos os personagens e a linguagem como sendo do nosso mundo e do nosso tempo. A Declaração é uma peça de um ato, com quatro personagens travados em sua própria batalha pelo controle e com a moralidade de suas ações: eles foram incumbidos de alimentar um conflito em um país distante.

O personagem "A" declara: "Há gerações que lutam. Tudo o que fizemos foi usá-lo. Usamos isso como uma oportunidade - os ataques - para investimento. Para crescimento. Nós usamos. Agora, sendo solicitado a assumir a responsabilidade por suas ações para exonerar seus superiores, um conflito está surgindo dentro de seu departamento. 

 8 Minutes - Alexander Whitley 

Na sequência de seu inovador trabalho digital Pattern Recognition, o associado de Sadler Wells New Wave, Alexander Whitley, assume uma escala impressionante de espaço para a estreia no palco principal de sua empresa. Trabalhando em parceria com os cientistas do STFC RAL Space no Rutherford Appleton Laboratory,

8 Minutes inspira-se nas imagens e dados da pesquisa em ciências solares para explorar as forças espetaculares em ação no universo e iluminar nosso relacionamento com a estrela que nos dá vida. Com uma partitura especialmente criada pelo inovador da música eletroacústica Daniel Wohl e uma instalação de imagens de definição do artista visual Tal Rosner, 8 Minutes cria um ambiente impressionante e envolvente de dança, música e cinema.

Pneuma - Carolyn Carlson

Em março de 1999, Carolyn Carlson e o balé Opéra de Bordeaux lançaram "Hydrogen Jukebox", uma fascinante coreografia com música de Philip Glass. O coreógrafo está de volta nesta temporada com um projeto empolgante, inspirado em um ensaio do filósofo francês Gaston Bachelard, "Air and dreams". Desta vez, a música é de Gavin Bryars, um compositor "pós-minimalista" que trabalhou anteriormente com William Forsythe, Lucinda Childs, Maguy Marin, Jirí Kylián e Merce Cunningham. A coreografia de Carlson explora a dualidade do ser humano, entre corpo e alma, gravidade e elevação, matéria e mente. Uma ode à natureza humana, ao mesmo tempo apaixonada e poética.

Chaque danseur doit être un poète- Carolyn Carlson

Em 1997, o pintor francês Olivier Debré havia proposto à coreógrafa Carolyn Carlson que colocasse em movimento suas decorações. Esta colaboração deu origem ao "Signes", um notável balé contemporâneo articulado sobre o tema do sorriso.

 Natura - Alonso Alarcón

-NATURA- é uma reflexão cénica que coloca o corpo como um território de símbolos e experiências que são expressos através de movimentos, traços no espaço, paisagens sonoras e luminosas, criando um universo adequado de rupturas e contrapontos constantes, onde a experimentação se instala no corpo, na composição espacial e sonora destacada da anedota, os personagens e a estrutura aristotélica passam de uma história linear que é contada a uma dança que instala seu poder no poder da linguagem não verbal, a natureza do corpo, a associação de ideias, a experiência de oito corpos e seus segredos - Alonso Alarcón.

Cartoon- Anton Lachky

Nesse conto surrealista, quatro personagens são possuídos por seus demónios criativos internos, produzindo um redemoinho sem sentido e divertido de dança, música e jogos. A abundância de histórias construídas dá um vislumbre da função complexa e confusa da mente: cheia de voltas e reviravoltas, crescimentos e contratempos, becos sem saída e infinitas possibilidades.

Levados por uma magnífica rede de sons, os personagens se envolvem em tiradas grandiosas e danças enfeitiçadas com música pop e árias clássicas. A trilha sonora é uma aventura épica que inclui partituras de séculos de Bach e Mozart que continuam tocando o coração.

Algo como uma bagunça feliz, às vezes Cartum é tão sério quanto uma declaração de amor, enquanto outras vezes é leve como uma brisa.

Linea Recta Joyce - Annabelle Lopez Ochoa

De um dos coreógrafos mais procurados de hoje, vem um trabalho poderoso e ressonante que explora um aspecto intrigante da dança flamenca: a evidente ausência de parceria física. Enquanto mantém a integridade e a paixão marcante do gênero,

Annabelle Lopez Ochoa imagina uma linguagem de movimento original e explosiva baseada no tema da parceria e ambientada na guitarra flamenca por Eric Vaarzon Morel.

Enter Achilles - DV8 Physical Theatre 

Uma exploração engraçada e cruel da psique masculina, o Enter Achilles fica em um típico pub britânico, uma bebida surrada e manchada de nicotina. Músicas pop caem da jukebox, há futebol na TV e os oito homens brincam, copos de cerveja na mão. Mas a diversão deles é equilibrada em um fio de tensão, pois por baixo da companheira se esconde uma corrente perturbadora de paranóia e insegurança, onde a fraqueza é brutalmente explorada e a violência encobre a vulnerabilidade.

Three Ballets - DV8 Physical Theatre 

Dança incrivelmente brilhante e perturbadora do DV8. É tão inquietante assistir no começo, mas você descobre que não consegue desviar o olhar da tela, nos pontos que eu encontrei.

Kate Champion, Nigel Charnock, Jordi Cortes Molina Coreógrafo: David Hinton (Peixe Estranho / Sonhos Mortos de Homens Monocromáticos), Clara van Gool.

DV8 Physical Theatre

Film one - Dana Fouras

Film two - Dana Fouras

Impossible & Mercy - Giuseppe Lannibelli

For An Instant - Amaury Lebrun

Out of context for Pina - Alain Platel

Eles entram no palco vestidos para a cidade, jovens urbanos anónimos. Quando tiram suas roupas, dobradas em pequenas pilhas, vestem outra peça, a da quase nudez de seus corpos enrolada em um cobertor simples. Eles se tornaram outros rapazes, outras moças, mantendo-se os mesmos. Mas eles não estão mais protegidos, eles não são mais bonitos, não são mais nada. Nada além de gestos, gritos, mas também barulho de dentes, saliência de língua, piscar de olhos, tricô de sobrancelhas, balanço de cabeças assimétrico, aparências de desequilíbrio, caminhadas tortas, quedas e mais quedas. Todos os tiques do corpo recompõem uma linguagem, a dos mais carenciados: a linguagem dos idiotas, a gramática dos deficientes, a inquietação dos simplórios. É passando por esse retorno ao primeiro estágio do corpo que os dançarinos alcançam uma forma suprema de virtuosismo, na qual a agitação cria um sistema e o nervosismo é transformado em emoção. Nesta peça ,marcado pela purificação, Alain Platel, que nunca é reconhecido como coreógrafo, recupera, no entanto, aqui o significado literal da palavra "coreia", um termo médico que descreve uma doença do sistema nervoso, cujos sintomas são movimentos descontrolados e má coordenação de gestos ou palavras.

The Infinite Ocean - Edwaard Liang

Como dançarino, Edwaard Liang adorava estar em uma empresa, fazer parte de algo maior que ele, um participante do complexo, mental e fisicamente desafiador processo de criação de arte. Após uma grande carreira no balé e na Broadway, ele se voltou para a coreografia, um papel no qual ele não apenas participa do processo criativo, mas também o dirige. Hoje,

como coreógrafa de longa data e diretora artística do BalletMet desde 2013, Liang é conhecida por criar obras dramáticas, alimentadas por emoções extremas. Seu terceiro trabalho para o San Francisco Ballet, O oceano infinito, paira no espaço entre a vida e a morte, quando os espíritos devem deixar de lado o que os une ao mundo físico.

É uma época que ele chama de "o despertar".

Nos últimos tempos, o foco de Liang, tanto pessoal quanto profissionalmente, tem sido a espiritualidade, a vida e a morte. Quando Liang tinha 13 anos, seu pai morreu de câncer; Nos últimos anos, muitos de seus amigos enfrentaram doenças terminais.

A ideia por trás desse ballet começou a ferver quando ele recebeu uma mensagem do Facebook de um desses amigos: "Vejo você do outro lado do oceano infinito".

Liang já havia abordado o tema da vida após a morte no 13th Heaven no Singapore Dance Theatre, mas ele queria trabalhar mais com a idéia da transição para a morte.

"Muitas pessoas pensam que fantasmas ou entidades são espíritos que não podem deixar de ir ao passado e a este plano terreno, então eles ficam presos no meio", diz ele. "O conceito [do oceano infinito] é que são pessoas que, neste momento específico, estão em transição. Nem sempre pode ser o que consideramos como desviar para a luz.

Quero que seja um pouco mais caótico.

 Sweet and Bitter - Africa Guzman

Doce e amarga, coreografia de Africa Guzman para Ballet West Uma delícia para os sentidos cheios de força e sensibilidade.

In the middle somewhat elevated - Africa Guzman

Fugitive Pieces - Africa Guzman